一輝は子どもの頃憧れていた、優子ちゃんの「青春」を目指して生徒会長に立候補した。しかし、明美の「本当に生徒会長になりたかったのか？」という言葉がきっかけで優子ちゃんに縛られていたことに気づく。一輝は自分の「青春」に向かって歩み始めるため、教室にあった「青春」の文字をバットで壊す。

　全体としては、役者が客席に降りてくるなど、観客を巻き込んだ演出でとても楽しく、飽きさせない劇だった。役者が楽しんでいるのが観ているこちらにも伝わってきた。特に手拍子を舞台と客席とで行うことによって、一緒に盛り上がることができた。また、最後の「青春」の文字をバットで壊すシーンは、一輝が青春法度から解放されたことが目に見えて分かりやすかったため、とてもすがすがしく感じた。

　印象に残ったのは、役者同士の会話のテンポが良く聞きやすかったことだ。特につっこみ役の明美の間のとり方が面白さを引き立てていた。また、複数の人が同時に動く時や、セリフによって役者の位置が入れ替わる時に、めりはりがあって話のテンポのよさに繋がっていた。具体的な場面をあげると、選挙の開票中、一輝側のグループと現生徒会長の小町側のグループがぶつかり合うシーンと、開票が終わったあとの緊張感あふれるシーンの切り替わりが空気の違いを表していた。

　キャストの面では、子ども時代と高校生になってからのシーンで役者が変わらなかったことで、一輝の優子に憧れている思いや小町の一輝への思いが、時を経ても変わっていないということが分かりやすかった。

　装置については、子ども時代の場面で両サイドのオブジェに照明が当たることによって壁に影が映り、それが一輝を縛っている「鎖」を連想させ、効果的だった。

　残念な点としては、開票速報での音響が大きめだったため、セリフと重なって聞き取りにくかった点だ。音量の大きさをもう少し抑え、セリフを明瞭にすることによって台本の良さを最大限に引き出せたのではないだろうか。
　
　青春とは、人から教えられるものではなくて、自分自身でつくりだすものだということをこの劇から感じ取ることができた。前からあった「青春」という概念にとらわれず、自分が青春だと思うことが本当の青春だと思った。

　青春とは、締め付ける何か、「法度」を破ること。そんなメッセージが生徒会長選挙戦を通じて語られる。生徒会長を目指す一輝は高校三年生、幼なじみで現在生徒会長の小町に勝つことを目標に、仲間たちを集めている。その目標は、幼い日に巡りあった優子という高校生への憧れから芽生えたものだった。「青春法度を壊しに行く。理想のために」と言い残し、優子は姿を消す。今、高校三年生となった一輝はその理想を追い求めている。

　コメディタッチで進む本作は、学校での選挙戦でありながら、大人社会をチクリと突いて、風刺も効いている。

　主張もはっきりしていて、笑わせるのだが、どこかもどかしい印象を受けるのは、「青春」「理想」などの言葉を、抽象概念のまま扱ったためではないか。劇は、登場人物たちの関係や行動によって紡がれていく。果たして一輝の「青春」とはなんであるのか。後半、落選した一輝は、かつての優子の存在と重なる明美との対話で、仲間でワイワイやることが楽しかったのだと気づく。確かに高校時代の友人関係は得難いものだろう。では理想の友人関係とは何か。そこまで踏み込む必要があったのではないか。誰かに憧れ、なれない自分に自問自答を繰り返す焦燥の日々。不安定だからこその青春だろう。今ある友人関係を肯定するのみでは、法度破りにはならない。

　これは昭和に青春を終えた者の伝言と捉えて欲しい。

　照明・音響の息のぴったり合ったスタッフワーク。テーマ性をシンボリックに浮かび上がらせるオブジェなど、工夫は随所に凝らされていた。

　演技もアンサンブルが練られ、最後まで飽きさせずに見せた。惜しいのはドラマの起伏だろう。回想する時間と現在を交差させる運びは巧みであったが、切実に共感を喚ぶ物語には、あと一歩の距離があった。

　「人生は自由だ、何もないから。」
　「演劇は自由だ、なんでもあるから。」
改めてそう感じさせてくれる芝居の作りだった。

　幕が上がると、ジャージ姿の女子生徒二人。何やらうまく行かない模様の学校祭クラス企画。どこにでもあるありふれた教室での一場面だ。
ぎこちない演技、ぎこちない進行に“下手くそ！（失礼）”と思いつつ見守るうち、突然客席から登場してきた白衣の人物。
　ああ、劇の練習をしていたのか。先生がまた日常的な会話を…　あれ？　変なこと言ってないか？
ここらあたりで、我々観客はいつもの観客ではいられなくなってくる。いつもなら劇のストーリーに埋没したくてここに座っているはずなのだが…
　芝居の稽古らしき光景が変奏を繰り返しながら、いつの間にか女子生徒の人生へと時間スケールが拡大する。その移行がまた、不自然なのだが自然なのだ。電車での吊革の高さがバラバラだった書き割りのシルエットも、「人生何もない」という脚本の到達点へのロードとして、狙ったものなのか？　無言で二人が並んで一人あやとりをするシーン。何度も練習したのだろう、毛糸の張り・たるみまで見えるようだった。積み木が、クレヨンが、あやとりが、老人ホームのメタファーだったと気付く。
　コミカルな老女たちの再会シーンも、人生を振り返るシリアスなセリフも、自由自在に観客を振り回す。痴呆の描き方、翼を授けられる光景のインパクト。高い位置に吊られた人生を象徴する切り出しのシルエットにも感動。
人生の終焉を迎える主人公の夢の物語かと取れるエンディングも、実は記憶喪失だった若い主人公のものなのか、「あなたのための物語」という小説世界のことなのか。

　音と明かりのキッカケが前後した若干のスタッフワークのもたつきも何のその、メタフィクションの世界を十二分に楽しませてもらえた。客へのヒントは各所に散りばめられ、“考えるのはお客様”というスタンスが貫かれる。
題名も、敢えて劇から遠いフレーズを切り出してつけてある。
　「創造力で演じられたものを想像力で観る。」

とかく親切過ぎる台本を求められる高校生の大会で、客の想像力を刺激しまくったあげくに、福井商業がポンッと放ったボールを受け止めた自分は、見終わった後、ある種爽快感さえ覚えていた。

　思春期の人間が必ず一度は考えるテーマ「自分の根源（ルーツ）はどこにあるのか？」この大きなテーマについて考えたいという思いが、演劇全体から伝わってきた。

　「自分とは何か」「自分はどこから来たのか」という問いの「解答」を探る作品である。本当は「解答」なんかはなく、もしもあるとするならば「回答」であるが、それは何となくしっくりこない。「解答」の指針となるのが「23.4度」なのではないだろうか。思春期の観客の心に深く染み、思春期を過ぎた観客の心には、かつてその問いの「解答」を探したことを思い出させてくれた。

　何よりも伝わってきたのは、この作品を作り上げる部員それぞれが、「自分とは何か」「自分はどこから来たのか」ということを理解しよう、答えを見つけようという気持ちで取り組んでいただろうという気魄である。その気持ちが自己解決的な解釈に終わっている場面も見られたが、それさえも答えにたどりつくための道しるべにも見えた。

　舞台で芝居をする役者は基本的に２〜３人と少人数であり、セリフも多くよく練習が重ねてあり、スムーズに舞台は非常にシンプルな作りである。列車の座席のみ。位置からすると観客は出入り口から見ていることになる。列車したら少し幅が広い印象もあったが、座席の間で芝居をするという性質上のことであったようである。座席の後ろに役者が控えていて、スムーズに出入りできていたのは良かった。ホリゾントの色を変化させるなどの挑戦が見られたが、ラストの桜吹雪の色の色があっていないなどの今後の演出をする上での課題もみられた。きっかけとなる変わり目にももう少しメリハリがあった方が観客に伝わりやすい部分などもあった。舞台上の照明や音響などは普段の学校での練習ではなかなかできないことであり、舞台を踏む中で学ぶ部分も大きいはずである。

　自分たちの心に感動したものを観客に伝えたいという熱い気持ちを持って日々研鑽をする姿勢が私たちの心を最も打つということを感じた。

　現実で生きていく為にありのままの自分を殺して周りに合せて生きていく主人公の姿を、ゴキブリの世界や学校や社会と重ね合わせながら、観客にも分かり易く、最後まで一つの物語として惹き付けられた作品でした。

　美術・音響・照明・衣装、そして俳優の演技、一つ一つの要素の完成度が非常に高かったです。観客を意識して作品を創っており、たくさんの音響効果がある中、俳優の声が観客に届いているのは、観客を意識して、リハーサル時に調整・確認する作業を怠らなかった、このような小さな積み重ねが完成度を高めていました。

　前半にスモークの効果やダンスなど様々な効果が盛り込まれていた分、後半部分が群読で進行されていくところが少し単調になっていたかと思いましたが、きっかけの多い中、スタッフワークの息の合ったチームワークは素晴らしかったです。

　ゴキブリの動きの洗練さ、ダンスシーン、集団での動きのメリハリなど、普段の稽古でよく訓練して努力されているのが伺えます。スピード感あるシーン切り替えがある中で、ゴキブリたちが記号的に見えず、一人の人物として見えてくる俳優の演技は見事でした。俳優それぞれが役を深め、作品の中での自分の役割を把握してストイックに演じていたからだと思います。またマイムで見せる扉のシーンは、扉を開く動き一つで、どこにでも繋がっていく自由な感覚・広がりを感じました。

　自分自身を認めてありのままで生きていく、葛藤しながら生きていくのだと、主人公がもがきながら緞帳が降りるラストシーンは、これから現実を受け入れながら自分を取り戻して変わっていくのだという強いエネルギーが伝わってきました。緞帳が降りる前にもがいている姿を一度おさめて見せる方が作品としてはすっきり見せることが出来たかもしれませんが、幕が降りていく中もがいていく姿を残しながらの演出は、俳優の身体から発せられたエネルギーとともに、観ている側に「変化するんだ」という作品の力強いメッセージが印象深く響きました。

　フラン。ふらん。Ｆｒａｎ。最初にタイトルだけ見た時は、某お菓子を思い出させ、ふんわりと甘い響きに感じられた。しかし幕が上がってみると、いい意味でその感じは裏切られた。積み上げられた平台の上、中央に置かれ、異様な存在感を放つ「ゴミ箱」。観客から見れば気になって仕方ないのに、登場人物たちは目を向けようとしない。母も姉も、「臭いものに蓋をした」からだ。そのまま物語は進むが、母と姉、そしてフランの犯した罪は、蓋をしても消えるはずがなく、むしろ腐乱してゆくばかり。思春期になって、重たい重たい秘密を抱えきれなくなり、ついに姉はゴミ箱の蓋を開けてしまう。この後の場面が秀逸だった。過去の罪が明らかにされる。母の後悔とフランへの謝罪。フランが母を赦しハッピーエンドを迎えてもいいんじゃないか、観ている我々もこの閉塞感から解放されたい、と思える場面。ところが現実はそう甘くない、贖罪など簡単にできることではない、と引き戻される。「ぽとぽと　ぽとぽと」と次々に袖から投げ込まれる、フランが成長するにつれ使うはずだった物たちは、まるで母の頭を殴りつけ、姉の横っ面をはたくかのようだ。あまりに純粋で、あまりに無邪気なフランはこの世界では「かいじゅう」にしかなれないのかもしれない。もしくは、疾うにフランはこの世の存在でないのに蓋をし続けていた、という結末もありうる。

　また、観念的な物語なので、いっそもっとおとぎ話や神話のような構成にしてもよかったのでは。幕が下りる時、ぞっとするほどに登場人物の表情が明るく、これまたいい意味で後味の悪さが残った。ここで、ＯＰに使われていた『きらきら星変奏曲』を使うとさらにいい意味で後味が悪かったかも。メタ的な装置、コロスが奏でる不協和音だらけのＢＧＭ、照明の変化のルールなどからは、繊細で丁寧な芝居作りをしていることが伝わってきた。心の闇を表現しようとしていながら、コロスの衣裳も含めて舞台がカラフルに過ぎるという意見もあったが、さまざまな選択肢のうちの一つであろう。

　友達ができない美沙は、先生に勧められて生徒会に入る。そこで先輩や同級生と共に過ごしていくうちに、次第に打ち解けてゆく。しかし、ある出来事をきっかけに、美沙へのイジメが始まってゆく。生徒会のメンバーに裏切られ、信頼していた友達からも裏切られ精神的に追い詰められていく。そして…「え?あぁ…私が飛び降りた理由ですか。それは…。」

　この劇を見て、全体として、人の心の弱さや醜さが最も感じられた。結城が半分に切り裂いた「絆」の寄せ書きは、薄っぺらな友情や切れやすくもろい絆という意味を表しているのではないかと思った。その後、先生だけがその寄せ書きを気にして、他のひとは放置していることも、見せかけだけのもろい絆を表現しているように感じさせる。絆という文字には、ぐるぐるとからめるという意味があることから、この劇中の登場人物たちの「責任」が絡み合っていることをも表しているのではないかと思わされるほど、登場人物たちのイジメに対する立ち位置がリアルであり、誰が主犯なのかが分からなくなってしまう。ラストのあみの「益田美沙ちゃんを殺したの、なぁんだ。」というセリフにそれらすべてが象徴されている。

　「ウザイ」「イラつく」などの単純な理由からイジメが始まり、プライドの高さや、自己中心的な考え方、心の弱さから、強いものの意見を信じ、弱いものを疑ってしまうことなどの要因によって、歯止めが効かなくなっていき、取り返しのつかない事態へと発展していく。そのような描写にリアリティがあり、この劇の出来事を私たちの身近に感じさせた。そして、生徒会室の舞台装置が、そのような雰囲気を壊すことなくよりリアルにしていたように思われた。しかし、美沙が響子によって生徒会室に閉じ込められたシーンで、結城の鞄が置いたままだったことや、美沙のリアクションを見せる長さが短かったことが惜しいところだった。美沙のイジメによる反応にもう少し時間をかければ、よりリアリティが出せたのではないかと感じた。

　演出に関しては、照明のサスが多用され、顔の部分が影になることにより、取り調べのような雰囲気が出ており、深刻さが伝わってきた。ラストの音響でセミの鳴き声がだんだんと大きくなっていくところが、無視できない罪悪感とリンクしているようだと感じた。また、音楽を聞くとき、美沙は周りの世界をシャットアウトし、現実から目を背けていることを示しているが、ラストのあみの場合は、自分の世界へ入り込むことで、彼女の罪の意識の欠如を際立たせているのではないかと私たちは考えた。

　いじめの怖さや、責任の重さ、絆のもろさなど人間が作り出した闇について正面から向き合い、そして、見るものに問いかけ、考えさせる劇であった。私たちは、人間の裏に隠された本性に心から恐怖を感じた。また、本当の絆とは何かということを改めて考えるきっかけとなったように思う。

　「いじめはささいなことから始まる」という日常の現実を、リアルに描いていて好感がもてた。役者にも過剰さがなく、いじめる側もいじめられている側も自然な演技だった。宮川先生の生徒への対応があまり上手でないように思えたが、後で「新米の先生だから、そのように演出した」という説明を聞いて納得した。

　舞台セットもうまく日常を再現していたように思う。ただし、屋上から飛び下りるシーンの演出には苦労をしたのではないだろうか。セットを上手と下手に分割して、屋上のエリアを作ったほうがいいという意見もあった。屋上から飛び下りる美沙を目撃するシーンは何度も練習したそうだが、本当にそのようなことが起こったとしたら、人間はどのようなリアクションをするかを今一度考えてみるとよいだろう。

　途中までほとんど台詞の無いユウキが、どんな役割を果たすのかと興味津々で見ることができた。ユウキが一部始終をＵＳＢメモリーに記録していたという設定は面白かったが、もし本当の裁判だったら、写真や録音と比べると証拠能力が低いのではという意見もあった。脚本づくりの時に吟味すると良かったのかも知れない。ユウキが手にＵＳＢを持って立っているシーンや、テーブルに置いてあるＵＳＢに照明があたっている演出も、ＵＳＢが小さいのでそれと分かりづらいという指摘があった。

　暗転のたびに登場人物が一人ずつトップサスの中に登場し、質問に答えるシーンが良かった。役者の顔が見えないのは狙っていたのですかと上演校に質問したところ「あれは取調室のイメージです」との答えが返ってきた。ただし、審査員の中には、暗転なしでも構成できた芝居なのではという声があったことを付け加えておきたい。あと一つ注文をつけるとすれば、地明かりが強すぎてホリゾントに一文字幕の影が出ていたという指摘があったので、リハーサルの時などにチェックできていればと思う。

　音響に関しては、最後のセミの声が印象的だったとの指摘があった。上演校によると「人が死んだのに無情にも季節が過ぎていく」ということを表現したかったのだということ。劇中でミスチルの歌が流れるのだが、使い方が中途半端であり、１コーラス全部流すぐらいの思い切りがあっても良かった。またプロセのスピーカーだけでなく奥のスピーカーも使うべきとの声があった。しかし全体として、役者のチームワークの良さが目立ち、ストーリーにもなるほどと思わせるものがあって、大変印象的な芝居であった。

　面白い舞台美術だと思った。２間(けん)四方のメイン舞台を菱形に設え、中央から上手に向かって昇る構造の階段になっている。教室や自宅と、頻繁に換わる場面をこのメイン舞台で行い、劇中劇のリア王や学内の廊下、狭い空間等をその周囲と階段の一部だけを用いて抽象美術の舞台を有効に利用できている。

　開演当初は傍白時に他の登場人物をストップモーションさせ、徐々にルールを無くして行く演出も、常套手段ながらスムーズに出来ていて、演出的な工夫が細部にまで仕掛けられていた。

　脚本上、過去の自分と別れ、新たな自分を見いだした時から、自分の分身である５人の私たちと立場が逆転し、傍白を主人公ではなく私たちが話しだす。冒頭から暗転を一切用いず、唯一終盤で一度だけ挿入した暗転が非常に良い。暗転後の主人公は、嘘偽りのない本来の自分に変わっている。この作品は家族の関係とリア王がメタフィクションしながら進行し、言葉で自分の気持ちや考えを伝えることの重要性と自分とは何かを認識する物語である。ラストシーン、常に主人公と共に行動していた私たち５人と決別し、一人退場する主人公、その演出が素晴らしい。

　登場人物はいずれも個性的で、意図的にメリハリのない演技が、自然で等身大の高校生を表出している。反面、大人役の演技は不自然となり、バランスが悪くなるので注意したい。授業のシーンでは、２脚の長椅子を直線に並べただけで、教室内での授業を見事に表現している。このような演出には、わくわくする。

　照明は教室と自宅を明確に識別できるようにしたい。床面が黒いので、地明かりに色を足しても、被写体がないと色の違いを識別できないので、舞台の四隅にオブジェや切り出しを配し、照明の変化が判るようにすると良い。リア王の場面も定位置で行う方が収まりが良く、照明もワンプランにした方が明瞭となり、劇中劇が活きてくる。

　音響は選曲も良く、雨音の煽りも効果的で、ラストの音楽に合わせた緞帳の降ろし方等、細部に工夫が感じ取れる。

　古典落語を舞台用の脚本に再構築し、それを見事に演じきった作品で、全体として、日本の伝統文化の持つ品の良さに裏付けられた舞台に仕上がっていた。また、作品のテーマも「家族愛」だったことで、この芝居を安心して鑑賞することができた。しっかりと統制と連携がとれたスタッフワークと、役者の力量の高さに裏付けられた大変にレベルの高い舞台であったと思う。高校生がこれだけ完成度の高い見事な舞台を作り出すことができるのかと、ただただ感心させられた。

　ＢＧＭに英語の歌詞のブルースが用いられた場面があったが、意外と古典落語とマッチしており驚かされた。日本の古典芸能をベースにしたアメリカの黒人文化とのコラボレーションに、芸術文化には国境や垣根がないことを改めて感じさせられた。この意味でも大変に意欲的な試みであり、表現や舞台芸術の可能の広がりを実感した。

　ゆっくりとしたリズムで淡々した語り口や、子役のややかん高い声も古典芸能を意識したものであろう。全体的にとても上品で、よいテンポ感も出ていた。また、後半に、度々、突然現れては笑いをとっていた八百屋の存在もいいアクセントになっていた。偶然、久しぶりに親子が再会する場面では、舞台を隔てて上下の花道でやり取りが展開されることで、互いの気持ちの微妙な距離感が感じられた。このシーンでは、今回会場となった知立市文化会館の花道の壁面が漆調の意匠であったことも古典作品には効果的に働いていたように思う。また、ラストシーンでは子供を挟んだ親子３人の姿で「子は鎹（かすがい）」を表現していたが、その形がとてもよく、熊吉が嬉しそうに語った「だから金槌で叩かれそうになったんだ」という落ちは、客席を温かく幸せな気持ちで包み込んだ。このような小粋な演出が随所に施されておりとても見事だった。

　和服の着付けがしっかりできていたことにも好感を持てた。普段、着慣れていない和服での演技では、多少の動きで着崩れが起きないかと心配していたが、しっかりと着こなして演技ができていたことにも感心した。セットが平台と壁だけのシンプルなものであったことや、その色が淡い水色で統一されていたことで、品があり落ち着いた舞台が作り出されていた。

　このように、しっかりと考えられ、鍛えられて作り上げられたとても完成度の高い作品だったが、敢えて改善できるポイントを挙げるとするならば、以下の事柄が考えられるのではないか。

　まず、ラストシーンの作り方について、照明に暖色系の色の明かりを使うことで、ハッピーエンドをより際立たせる演出になったと思う。また、暗転時間が少し長かったのがもったいなかった。子供の泣き声で暗転をつなぐ工夫も見られたが、作り方次第で暗転なしで演じきることも可能だったのではないかという指摘や、暗転していてもスタッフの動きは見えるので、むしろ見せてもよかったのではないかという意見も審査員の間で出されていた。

　もう一つ、大人の目線で注文をつけると、女郎のお松が語るシーンがあったが、仁王立ちで強めの口調で語ってしまっていたのが少し残念だった。しなっとした色気のある女郎の演技があればよかった、というのは欲張り過ぎであろうか。

　主人公ノゾミが自殺する象徴的なシーンから始まり、ノゾミが留学前する前にお別れ会を催すクラス仲間との何気ない会話の中で、一人ずつ、教室から出て行き、出て行った後に照明がかすかに暗くなり、物語が進むに連れて、その照明効果が少しずつ暗さを増していく…最後までどうなるのか目が離せませんでした。

　俳優の皆さんの演技は、日常を切り取ったような自然さがあり、リアリティを生んでいました。教室の様子の描き方も全員が均一的でなく、一人の人物として舞台上に存在しており、アンサンブルもよく整理されていました。

途中でノゾミが平手打ちをするシーンでは、会場全体の空気がグッと変わりました。動き一つで空気を変えるのは非常に難しいのですが、ノゾミを演じた彼女が平手打ちするまでの役の「前提（今までクラスの中で何があったのか、どう思ってきたか等）」を自分の中でしっかりと持って演じていたからだと思います。平手打ちの後にノゾミとユッコの抑制の効いた演技の中、シゲルが面白おかしく騒ぎながら教室を出ていく二つの時間の重なりが、女子二人の気まずい雰囲気がより際立っており非常に効果的な演出でした。

俳優それぞれがセリフとして書かれていない役の状況を理解して演じていたからこそ、舞台上で繰り広げられるシーンを一つ一つ想像しながら観ることが出来ました。観客が自由に想像出来る分、薬指にまつわるノゾミとユッコの関係性とラストの震災について描かれる部分は、伏線は劇中にたくさん盛り込まれていますが、二人の過去に何があったのか、震災で実際に起きた事象など、もう少し具体的なエピソードを語ることで、より説得力を持って作品が観客に伝わったのではないかと思います。

俳優の出入りとともに照明がほの暗くなっていく繊細な効果や、緊急地震速報が大音量で響き渡わたって海に変化するシーンの屋台崩しなど、スタッフワークにも作品の意図が行き届いており非常に効果的でした。

　主人公の繊細で不安定な心の動きを丁寧に描いており、最後の幕が降りるまで緊張感のある、惹き付けられる作品でした。

　勉強しない、先生の話を聞かない、ダメな「Ｄ組」。でも明るくて元気でにぎやかなのが良いところ。どこの学校にもそんなクラス、ありませんか？　自分がもしＤ組の担任だったら、しょっちゅう振り回されて小言ばかり言わされて大変だけど、とても楽しいだろうなぁと思いながら観ました。舞台にはパネルもなく、いわゆる学校の机や椅子もなく、記号としての椅子や教卓があるのみ。でも見事に教室の空気が感じられて、必ずしも作り込まれた装置が必要という訳ではないことを教えてくれました。ですから、入れ替わった相川と希美の二人が夜に電話するシーンも、衝立を出し入れする手間を省いて照明だけで表現することが可能ではないでしょうか。また、音響については曲数をおさえることで、練習の場面やラストでのおわら節に強い印象が残りました。小道具としてＣＤプレーヤーを持ち込んでいたので、そこから直接音を出してもよかったでしょう。照明については、少しシーリングが強かったためか（会場の構造上？）、ホリゾントの色が飛んでいる箇所もあったようですが、全体としては暗転やホリゾントの変化のタイミングが良く、丁寧に練習されていることが伝わってきました。

　さて、「男女が入れ替わる」というのは古くは『とりかへばや物語』に、現代では今回引用された『転校生』にも見られるように、普遍的なモチーフです。また、クラスの男子と女子の対立、からかいがいじめに発展することや、ＬＩＮＥのトラブルなど、どれも見ようによっては「よくあるテーマ」「よくある展開」かもしれません。しかしこの芝居は、そんなこんなが全く気にならない抱腹絶倒の物語になりました。本歌取りが見事に成功し、観客の反応も非常に良かったと感じました。相川（中身は希美）が話すだけで大爆笑です。希美が「やばーい」とつぶやくだけで大ウケです。それはやはり、構成の面白さ、そしてある意味で未完成ゆえの素晴らしさのおかげではないでしょうか。しかも観終わった後に、おわら風の盆に参加したくなったのは私だけではない、と思います。

　別役実の難解な不条理劇に挑み、その作品世界を見事に表している。

　開演時、「異国の丘」の曲が流され、緞帳が昇ると夜の路地裏。電信柱にゴミ箱が措かれ、リアルな舞台美術が別役ワールドを忠実に再現している。

　犬の遠吠えが深夜であることを強調し、登場人物が現れると舞台は徐々に明るくなる。オーソドックスで丁寧な演出法だが、一旦暗闇を見せておいて舞台が夜であることを示し、やがて見やすい明るさにすることで深夜なのに見えている不条理を払拭させ物語は始まる。

　深夜の闇の中で起こるとてつもない不条理な出来事を、丁寧に淡々と描いていく。一見、訳の解らない不条理劇に思えるが、散りばめられたヒントを拾い集めて行くと、戦後の日本社会を痛烈に批判した、風刺劇であることが見えてくる。異臭を放つ物、ゴミ箱に蓋をすること、見てはいけないもの、言ってはいけない事、傷痍軍人の存在、登場人物が意味するもの、脚本指定でもある上手と下手の意味、それらを紐解くと歴史の教科書には載ってない歴史の闇が見えてくる。時代の暗闇を、深夜の闇の中で起こる出来事に喩え、この脚本は出来ている。

　非常に難しい脚本をよく解析し、苦労した痕跡が多く窺える。脚本で時おり指定された登退場の方向は、あの世とこの世の方向を示唆しているが、他の場面では特に指定もなく、演出が自由に選択できる。だが、この選択が実に難しく、全ての場面で意味あり気に見えてしまう。それらの行動や台詞の一つ一つを検討し、学習して演出されている。しかしそれが観客に100％伝わるかは、また別の話である。不条理で難解なものは、どう描いてもやはり難しい。

　季節感を違えた衣裳を役者に着せて不条理感を増す演出は悪くないが、ならば小道具や装置にも共通した不条理感が欲しい。ゴミネットやゴミ箱、車椅子、松葉杖等、時代を限定する道具類を用いるなら、時代を消すための装飾がある程度必要となる。

　舞台美術の電信柱はとても良く出来ている。床面にパンチカーペットを敷いて道路の雰囲気を作ったのは非常に良い。

　照明は地明かりが少し明る過ぎる。電信柱の街灯が地面に明るい部分を作り、その周囲は薄暗がりとる照明プランで、街灯の明かりでハイキングをするのが望ましい。ＳＳも不要であろう。

　音響は冒頭の犬の遠吠えが良いので、劇中でも要所で環境音を挿入すると、作品が引き締まるだろう。

　岐阜農林高校 「Ｒ」これからの日本の農業の担い手となる若者たち。実際の体験が力強く舞台に反映された作品だった。

　まず舞台に立っている一人ひとりの身体が個性的で、それゆえに大勢の中にあっても、それぞれがどんな人柄か、観客にきちんと伝わる。もちろん工夫の上で、演じられた人物なのだろうが、等身大の真実の生徒たちの姿に見えたのだから、これこそが演劇の力と言って良いのだろう。

　また日頃の学校生活を描写するために作られた舞台美術の存在感は素晴らしかった。高校演劇では舞台転換の時間的制約があるために、どうしても平面的なセットとなることが多いように思う。岐阜農林高校は部員数の多さを生かして、瞬時に舞台後方に高さのある二階部分を組み上げたのだろう。その高台部分が回転し、別の場面を構成したのにも感心した。但し、劇場の奥行きのせいだろうか、回転舞台のために、舞台前面のアクティングエリアが狭くなってしまった。もう少し広ければ、よりダイナミックな群衆シーンが実現したかもしれない。

　演技・舞台美術を含む、その他のスタッフ力にも安定感があった。
　特筆すべきは脚本についてだろう。閉塞する現代社会に、これほど真っ直ぐに「生きる」ことと「死ぬ」ことを対比して投げ掛ける。動物たちの生死の現場に立ち合っての、生徒らの実感に違いない。しかし、その実感をコンクリートとアスファルトで固められた都市部に生きる観客が実感できるか。これは受け手側の問題である。だからこそ、岐阜農林にはこのスタイルで突き進んでもらいたい。原発問題についても然り。人の手に負えないエネルギー政策の欺瞞を、土と闘い、作物を収穫し、動物の世話をする手は、直感として知っているのだから。本作「Ｒ」は、TPPに揺れる2013年の日本に、切実な訴えをもった、ネオプロレタリア演劇であると感じた。

　人気の無いラジオ局で話題作りのためにカエルのコスプレ＝「ゲロ子ちゃん」にされ、新たな都市伝説になるように命じられるたま子。その後、「笑ってよ　ゲロ子ちゃん」のコーナーは人気となるが、「ゲロ子ちゃん」に関するありもしない噂が一人歩きし、ラジオ局側もそれを信じ始めてしまう。けれど、同期入社の銀二だけは「ゲロ子ちゃん」の本当の姿を信じ続ける。半年後、スタジオに現れた「ゲロ子ちゃん」に恐怖し慌てふためく周囲の制止を振り切り、銀二は「ゲロ子ちゃん」と話そうとするが、周りの声に負けて本当の「ゲロ子ちゃん」を信じきれず、「ゲロ子ちゃん」に椅子を振り下ろそうとする。しかし、「ゲロ子ちゃん」が取り出したのは……。

　全体を通して、噂に流されてしまう怖さを感じられる劇だった。一度噂が生まれると、周囲の真偽の判別意識が低下し、実際には起こっていないことでも信じてしまう人間の心理が、「ゲロ子ちゃん」の過激な噂を信じてしまう場面でよく表されていた。最終的に「ゲロ子ちゃん」は、周囲の噂にあったような「ゲロ子ちゃん」になってしまったのか、それとも「たま子」のままなのかという疑問が生まれた。講評委員の中でも、銀二に対する態度に変化がないことから「たま子」のままではないかという意見と、最後銀二に信じきってもらえなかったことで「ゲロ子ちゃん」に変わってしまったのではないかという意見など、さまざまな見方があった。またこれらは、マスメディアだけではなく、友人との会話やSNSといった私達の日常の中にはびこっている問題であるとも感じられた。客席に下りたり、照明の変化が少なかったりと、今までにないスタイルでパンク的な演劇であった。

　劇中で流れる曲の歌詞を観客に聞かせることで、歌詞と場面の一致によってより登場人物の心情を表現できていた。一貫して叫ぶような発声や、ゲロ子に対して恐怖するキャストの演技などの過激なまでのリアクションからは、緊張感と焦りを感じた。役者がたびたび客席に降りる演出からは、実際の観客と劇中のラジオのリスナーを重ねて表現しており、現実と演劇との境目があいまいになるという効果があった。また、客席側に当てられた赤の照明や、客席側でマイクを使ってゲロ子に関する噂を読み上げる場面での、音響とマイクの音量の大きさは、不快を感じさせる反面、適度な圧迫感をもたらした。

　今生きている私達の現実に置き換えて見ることができ、どの年代層の人が見ても共感できるテーマだった。視覚だけでなく、役者と共に体感できる作品であった。

　ジャンクで混沌として破滅的な世界の中から、最後に一輪清らかな花が咲いた…という気持ちになった。

　観劇のあと、「人を信じるということは何か」を強く考えさせられた。過去に実際に感じた本人との体験と現在、本人に対する周囲の評価のどちらを優先するべきか。自分の印象と他人の噂は必ずしも一致しないことはしばしばである。ゲロ子ちゃんは、姿は変わってしまっても心は変わることはない存在である。しかし、姿は変わっていなくても、銀二くんの心は変わった。最後にゲロ子ちゃんが銀二くんに花束と応援幕を見せるシーンは一途で清らかな乙女に見えてしまった。キザな言い方になるが、一種の救済の女神が現れたと感じるものであった。

　舞台は、コテコテの演歌から緞帳があがる。平日午前のラジオ番組の舞台裏から物語は始まる。可愛らしいパーソナリティのアナウンスが終わると、途端に舞台は絶叫系のセリフ回しでヒステリックな場面へと変わる。絶叫的なのは切羽詰まったこの場面かと思いきや、最後までこの絶叫系が続いた。この絶叫系セリフ回しとラジオから流れるパーソナリティの声、そして話の流れを示唆する歌謡曲があいまって、見ている私たちを独特の世界へと導いていった。観客側へ飛び出し演技をするスタイルも、演劇であると分かりながらも、私たち自身もゲロ子ちゃんをとりまく世間の一人になっているのである。聴覚に訴える演出だけでなく、照明も観客の心を揺さぶるものであった。舞台は非常にシンプルな照明であるが、ボルテージがあがると真っ赤な照明が客席を包み、ヒステリックでパンクな感情をあおる。すべてが計算ずくであえて意表をつくような演出に心を奪われた。ジャンクな印象を与えながらも、役者一人一人の演技は細部まで丁寧になされていたことが、この作品が最後に清らかな気持ちにさせてくれることにつながるのではないかと思う。

　不可抗力とも言える社会的な大きな力を超えることが出来るのはやはり人間の真心なのだと感じた。

　２億５０００万匹の精子達が、数々の試練を乗り越えて受精する。しかし、５つ子だった。受精した子ども達は母親の子宮の中で暮らすが、全員は生まれることが出来ない。一人減り、一人減り、そして最後には…。

　全体として、命の尊さ・重さがとても伝わる劇だった。

　劇の始まりはコメディタッチで描かれており、性などの描写が軽く観客が劇に入りやすかった。

　ミラーボールで精子の多さを表す表現や、「２億５０００万の同志達」という台詞から、私達の命が確率の低い中から生まれたことが伝わった。劇中では障害が出来てしまった子どもと健康な子どもの両方がおり、同じ生活をしていたことから、障害者も健康な人も比べることの出来ない同等の尊い命を表していた。障害を持った子どもが途中で１人いなくなったところの表現で私達は医学的な知識がなく、一人だけをなくならせるのは出来ないのではないかと疑問があった。しかし母親が５人の中から１人を選んで育てたことは母親の「ごめんね。」というセリフで、その苦悩が分かり納得できた。わたしたちもそういう中で生まれ、育ち、今があるのだと思った。

　また現代医療では、子宮にいる時から障害があるかないかを調べることができる。障害を持っているからと中絶されてしまう現代の命の選択の問題を問いかけていた。障害がある子を資金のない中で育てるのは私は逆に、子どもを苦しめてしまうと思う。やはり実の子なのだから選択はとても悲しく苦しむだろうが、私達は頑張って代わりのいない命なのだから、育ててほしいと思う。障害への悪い見方を考えなおすべきだと私達は思った。出産を経験している人もそうでない人も考えなければいけないテーマだったのではないか。しかし、障害と分かるためのバンダナを一色で表したり、「障害」という言葉を使わずに表現したほうが良いのではないかと意見がでた。

　ラストシーンで、生き残った子どもが叫んだ「シャケだー！」というセリフには、私達は生まれてこなかった兄弟たちの分まで生きようという意志と、念願の具だが喜ぶ兄弟たちが既にいないという悲しみが表現されているのではないかと意見があった。また、幕が降りた後、残った子どもがこの後どうなるのかを考えさせられた。名前のないまま消えていったのではなく、子ども一人一人に名前が考えられていたことが、子どもを楽しみにしていた親の気持ちが表れていて良かった。セットはお母さんの子宮の形に似ており、色が白で柱があったことから神殿などの神聖なものという見方や、一つ一つの段が大きかったので出産までの試練を表しているのではないかと意見がでた。しかし、段が大きすぎて足音が降りるたびに響いていたのが惜しかった。精子たちが子宮に辿り着くまでの、精子を守るための粘液や精子の数の多さが照明で表されており、その時の状況も分かりやすかった。この劇を見て、私達一人一人の命の尊さが伝わり、そう簡単には死んではいけないと思った。