高校生の男子独特のテンションや女子の等身大の恋心に、その舞台に自分も参加していると思えるほど劇に引き込まれました。この劇のテーマは“青春”はもちろん、“協力と成長”でもあるという意見が多く出ました。
　時間経過を表す場面転換が、暗転ではなく青い照明を使い、軽快なリズムの音楽に乗りながら動くことによって、飽きさせずに見せる工夫がされていました。中川と足立の恋を、安藤と坂津が見守り、大事なところでは二人の背中を押していました。それが台詞だけでなく、自然な行動で示されていたので、私たちも二人の恋を一層応援したくなりました。
　全体的に一人一人の個性が丁寧に描かれていて、人間関係が非常に理解しやすく、一つ一つの行動に思わず笑ってしまうような空気を作り出すことができていました。登場人物の中で、山本さんの存在が非常に大きいと感じました。違う視点を持っていた四人に共通の目標を持たせて、協力し合うことによって成長させていくという役割を担っていました。大人の支えがあるからこそ、子ども達は安心して輝けるのでないかという印象を持ちました。
　装置は、一目ですぐに昔ながらの駄菓子屋だとわかりました。細かいところまで作り込まれ、のれんの向こう側も想像させるような造りでした。子どもがかかわれるような場所ということで、人の温かさを感じさせようとするこだわりが伝わってきました。

　三年間という高校生活の中で、彼らの過ごしたこの夏休みはとても短いものでしょう。けれども、彼らが将来この時を思い返してみれば、かけがえのないきらきらと輝く宝物だと思える、そんな大切な思い出になったのではないでしょうか。中川と足立がその後どうなったのか、想像せずにはいられない作品でした。岐阜県立恵那高等学校の皆さん、お疲れ様でした。

幕が上がるとプラカードの立ち並ぶ情景。「かけら」と呼ばれる紙を取るたびに十字架と化している。恐ろしくも美しい絵がそこにはある。ガンダム好きの少年が戦場に駆り立てられ、敗戦後裁判にかけられ死刑判決を受けるそれだけの話。未来の空想ではなく、今そこにある危機、とも言うべき恐ろしい現実の話である。
　「はじめのかけら」（小学一年生４月の自己紹介文）と「終わりのかけら」（２０２５年１２月２４日戦争裁判所拘置所において。遺書）以外の１３枚の「かけら」はどう置かれて役者は知らされておらず、無作為に選び、読み、演技しなくてはならない。その「かけら」は作文であったり、日記であったり、日常会話であったり、手紙だったり、遺書であったりする。それぞれの「かけら」はランダムに選ばれるから、メッセージは時系列を無視して語られる。吐き出される。「かけら」は読んだ後、破り捨てられ、あるいは握りつぶされ、踏みつけられる。しかしラブレターの返事は、たとえ断られたものであっても、胸ポケットにそっとしまわれるのだ。戦場でのチームワーク、初めての仲間。それが何を意味するのか。戦争は「友情」すら利用する。観ている者たちにはもうわかっている。その後「少年」は進んで戦地に赴くことがそれ以前の「かけら」ですでに語られていたからだ。そして軍曹はどついてこう言う。「賢いヤツは軍隊では必要ない。」
　痛烈な戦争批判、社会批判のメッセージの中で、「少年」の感情の機微を淡々と、木訥に、言葉を大事に表現している姿勢にはとても好感が持てた。そしてその「僕」を舞台の上で支えているのは、母であったり兄であったり、女友達だったり、軍曹や「同期の桜」でもあったりするパートナーである。彼女が動くと状況が動く。舞台を支配しているのは彼女だとわかる。そして役者二人だけで、飽きさせず、十分に舞台空間を埋めている。未来のシミュレーションやエピソードがパターン化されて安易であると思える部分もあるが、それほど安易にパターン化されているのだ、現実が。
　観る者に考えを委ねるというやり方は諸刃の剣ではあるが、「彼」のキャラクター・存在によって成立していたと思う。

演劇の作り手は、「戯曲の構造」「舞台上の構成」「俳優の身体動作」の３つに加えて、「時事問題」にも先鋭にアンテナを張りめぐらせておく必要がある。日常を仔細に「観察」することによって、思いもかけない発見をし、その発見を観客とともに共有できる可能性があるからだ。スナイパーのごとく、虎視眈々と狙っていたい。
　「Everybodyせい！」の「せい」が平仮名なのは、英語の「say」と、日本語の「所為」が、掛詞になっているからである。何でも誰かの「せい」と「言って」しまう昨今の社会的無意識を皮肉っているのだ。2014年のニュースを振り返ると、某自称音楽家・科学者・地方議員・教育産業・食品産業・エネルギー産業……による、無責任な構造が世を賑わした。今回の上演は、そんな１年の締めくくりに似つかわしい、高校生による大人への「ダメだし」であった。高校生はこんなふうに大人を見ているのだということがよく伝わってきた。
　シンプルなセットで、色もきれいだ。シルエットの転換などもバッテンが見えるように計算されていた。演技も実に生き生きとしており、とりわけチームプレーが光る。会社員や社長も、高校生には見えず、なりきっていた。動作の静止も完成度を高めた。客席から拍手が起きたのは、この上演だけ。これでもかという笑いが、劇場の一体感を高め、効果的だった。直立不動のまま、きれいに倒れる演技などは、殿堂入りと言っていい。
　筋自体はラストが見え透いてしまうものの、寓話として完結されていた。劇の急所は、寓話としての不条理をどれだけ浮き彫りにできるか、であろう。さまざまな工夫が見られたし、苦心の跡もうかがえたわけだが、改善の余地はある。会社組織の生態をもう一段こまかく観察した上で、欲望の主体がピンぼけせぬよう注意しながら、流行の広がりをパンデミック化して、無責任体制の恐ろしさに背筋が凍る境地まで連れて行ってほしかった。笑いと同じ方法で不条理化できたはずだ。ともあれ、狙いが確かで、奥に秘めた鋭さを感じた。高校演劇の可能性を押し広げる快演であった。

舞台装置なし、俳優の肉体と声、そして音と照明の効果だけで見せきった舞台は圧巻だった。激しく動いた後に息を乱すことないセリフの応酬。舞台上の空間を埋め尽くす迸るエネルギー。彼らの演劇への情熱が物語とともに伝わってくる作品だった。
　一体どんな身体訓練をしているのだろうか。劇中多くの時間を「走る」という動きの中で演出しながら、その中での会話のやり取りやテンポを落とさず物語の疾走感を維持しているのには本当に驚いた。日頃の部活動でどれだけストイックに訓練しているかが垣間見える。しかも、大人数が出演する中で、均一的な演技ではなく、俳優一人ひとりの個性が生かされた配役と演技も非常に魅力的であった。「竜」の表現など俳優どうしのコンビネーションも抜群だった。俳優の立ち位置が変化しただけで回想シーンから現実に変化する見せ方は、俳優自身の想像力と指の先まで神経が行き届いているから見せることが出来る演出で、身体で見せる可能性と力強さを感じた。
　第三帰宅部にいる人達が、第一帰宅部のメロス達と同じように、学校や社会への閉塞感などいろいろ抱えていたが第三帰宅部に入ることでどう変化したかというところがもう少し描けていると、ラストのメロスが第三帰宅部を追っていくシーンで、作品では描かれていないメロスの未来を観客に提示出来たのではないかと思う。
　ブラック企業への批判や、一緒に何かをつくることで得られることなど、伝えたいメッセージが言葉遊びや会話のやり取りの中でうまくちりばめられており、作品全体が説明的ではなく、観ている人それぞれの立場に置き換えてみることができる「自由さ」を感じた作品だった。

「野球部の応援がしたい」という想いは同じなのに、考え方の違いから対立してしまった応援団とチア部の対立が青春ドラマのように熱く、そして清々しく描かれていた作品であった。
　舞台に置かれた装置は白く塗られた階段のみという、とてもシンプルなものだったが、その場に応じた演技で、屋内・屋外・応援席がしっかりと表されており、この場面がどこで繰り広げられているかが、演技を通してとてもわかりやすく伝わってきた。また、この階段を用いて、応援団とチア部との対立を立体的に描くことができていた。また、この対立の中心的な人物である応援団のリーダーである高村と、チア部のリーダーである涼香の性格が対照的に描かれていた点も印象的であった。何事も肯定的にとらえることで、部員をひきつけまとめる高村と、一方でリーダーという権力を行使して部員を統制する涼香。この二人の対照的なリーダー性が劇の随所に表れていた。同じ目的を持つ部活動であっても、統制するリーダーの性格や資質によって、部内の人間関係の印象が大きく変わることを見事演じきっていたように感じる。
　そして、この劇のキーパーソンともいえるのが応援団の岡田という存在だと言える。物語の流れが変化する場面に必ず岡田の存在があり、高村と岡田の信頼の強さを、演技を通して観客に示すことができていたからこそ、この劇全体を岡田が支えていたように感じる。応援団とチア部は岡田のはたらきかけにより、協力して野球部の応援を行うが、その応援の際に用いられた音響も、野球部が負けたことが観客に分かりやすく伝わるものが用いられており、観客を意識した演出となっていた。ラストシーンでのホリゾントを使って表された夕日も、青春らしさを効果的に表現できていたといえる。
　演者一人ひとりの個性も際立っており、リアルな高校生の青春を感じることができた。「こんな青春時代を送ってみたい」そう思わせてくれる劇であった。

　本当の愛とは何か、人の想いの深さを考えさせられた劇でした。謙作が夏子を一途に想い続ける気持ち、さまざまな愛の伝え方、謙作の想いに触れることで考え方が変化した夏子の姿などから、「純愛」や「人への想い」がこの劇のテーマではないかと考えました。
　講評委員会の中で最も活発に議論されたのは、最後のシーンで夜空に流れた星についてです。死んだ人を表していると思われるこの星に関して、２つの意見が出されました。１つ目は、｢魔法使いが人を殺したり、死んでしまった人を生き返らせたりしてしまうと流れ星になってしまう｣というセリフから、マリーは流れ星になってしまったのではないかという意見です。２つ目は、謙作が死んでしまったことが星となって表されているのではないかとの意見です。また、謙作がこつこつ集めていた星の欠片について、幸せというのは気づかないだけで、身近なところにあるということが描かれていることから、小さな幸せの象徴ではないかと考えました。
　何度も出てきたひまわりは、謙作が約束を守ってきたことの象徴ではないかと思いました。夏子を守るということ、そして夏子が好きだった先生を待ち続けることの２つの意味があるのではないでしょうか。また、ひまわりの花言葉は「あなただけを見つめている｣だから、謙作がいつも夏子を見守っているという意味も含まれているのではないかという意見も出ました。
　木の影を移動させることによって、時間の経過がわかりやすく表わされていました。現代から過去の世界へ戻ったことを、装置に細かな変化を加えることと、チャルメラや豆腐屋のラッパの音などを組み合わせることで表し、昭和という時代の雰囲気をうまく表現できていました。
　この劇を見て、謙作の夏子に対する愛の深さや、優しさゆえに自分の想いを素直に伝えられない謙作の不器用さに感動しました。思い込みから謙作の愛に気づくことができず冷たく接してきた夏子が、マリーの魔法によって気持ちが変化し、謙作に感謝を伝えたいと思えるようになります。私たちも、自分のことを愛してくれる人を大切にしたいと思うことができました。
　名古屋市立緑高等学校の皆さん、お疲れ様でした。

　この劇は「周りに流されることへの恐怖」を表現しているように感じました。拓が最後にガムテープで口を塞がれてしまったのは、場の空気を読まず、周りに流されなかったからではないかと思います。タイトルの「トキントキンでドキンドキン」は、劇中で出てきた擬音語からではないかという意見と、周りの意見に流されずに少数派の「トキントキン」を主張し続けることで感じる緊張や緊迫感でドキンドキンなのではないかという意見が出ました。ラストシーンでは、初めと同じシーンが全く違う人物たちで演じられていて、周りに流されることは学校という限られた場所だけで起こるのではなく、一般にどのような場所でもどのような人々の間でも起こりうる行為なのではないかと観客に問いかけているように感じました。その他にも、多数派の意見を尊重するだけでなく、個人や少数派の意見も大切にするべきではないかという意見も出ました。中盤の山場である「トキントキン」か「ツンツン」かを決める多数決では、あやが手を上げませんでした。それは何でも多数決で一つに決めることや、周りに流されることへの抵抗だったのではないかと思いました。最後に拓があやへと視線を向けた場面であやが拓から目を逸らしたのは、あやも周りの空気を気にして拓の意見を聞くことをやめてしまったからではないでしょうか。
　舞台美術では、大きなクモの巣が印象に残りました。拓が周りに絡みとられていく姿や、人間関係の中で身動きが取れなくなることをクモの巣で表現しているのではないかと思います。抽象的な装置でありながら、キャストたちの動き一つで教室や廊下といったさまざまな場所を瞬時に連想させることができ、見事な演出だと感じました。はじめのコミカルな展開から終盤のシリアスな展開までを一気に見せきるテンポの良さや、場面転換を音楽や歌、また一糸乱れず揃えられた動きやダンスによって楽しく見せることなど、最後まで劇に引き込む工夫がされていました。全く飽きを感じさせない素晴らしい舞台でした。
　滝高等学校の皆さん、お疲れ様でした。